La danse est une forme d'art vivant. C'est un mode d'expression éphémère constitué de séquences de mouvements de corps dans l'espace souvent accompagnés par de la musique. Les mouvements sont à dessein, intentionnellement rythmiques et façonnés culturellement. Les gestes sont principalement autres que ceux effectués lors d'activités motrices ordinaires et ont une valeur inhérente, esthétique et potentiellement symbolique^[a].

Une danse est soit un ensemble défini de mouvements dénué de signification propre, comme souvent dans le ballet ou les danses traditionnelles européennes, soit une gestuelle inspirée par une symbolique laïque ou religieuse, tendant parfois vers une sorte de mime ou de pantomime, comme dans de nombreuses danses asiatiques. Parfois elle peut même viser à entraîner la transe.

La danse peut être un art, un rite ou encore un divertissement. Elle exprime des idées et des émotions ou raconte une histoire. La danse a en général un rapport direct dans l'histoire avec les autres formes d'art.

Le corps peut réaliser toutes sortes d'actions comme tourner, se courber, s'étirer, ou sauter. En les combinant selon des dynamiques variées dans une quête d'un mouvement le plus élégant possible, on peut inventer une infinité de mouvements différents. Le corps passe à l'état d'objet ou d'esprit. Il sert à exprimer les émotions du danseur à travers ses mouvements, l'art devient le maître du corps.

« La danse est le premier-né des arts. La musique et la poésie s'écoulent dans le temps ; les arts plastiques et l'architecture modèlent l'espace. Mais la danse vit à la fois dans l'espace et le temps. Avant de confier ses émotions à la pierre, au verbe, au son, l'homme se sert de son propre corps pour organiser l'espace et pour rythmer le temps. »

— Curt Sachs, introduction à l’Histoire de la danse, Éditions Gallimard, 1938, p. 7.

En Europe, la danse a peu attiré l'attention des philosophes et des théoriciens des Beaux-arts, qui la classent généralement au rang des arts mineurs et ne lui consacrent souvent que des remarques auxiliaires (ainsi chez Kant et Hegel)^[1]. À partir du XX^e siècle, notamment à la faveur du développement de la danse moderne, de plus en plus d'auteurs sollicitent la danse comme un art à part entière susceptible de donner lieu à une philosophie de la danse, comme il existe des philosophies ou des esthétiques de la musique, de l'architecture, etc.

Les premières indications sur l'exécution de danses datent de la Préhistoire, au paléolithique, où des peintures rupestres attestent l'existence de danses primitives.

Il s'agit avant tout d'un acte cérémonial et rituel, adressé à une entité supérieure afin de :

• conjurer le sort (danse de la pluie) ;
• donner du courage (danse de la guerre ou de la chasse) ;
• plaire aux dieux (Antiquité égyptienne, grecque et romaine).

La danse primitive, couplée aux chants et à la musique, avait aussi probablement la capacité de faire entrer les participants dans un état de transe. La danse servait également comme un moyen de communication non verbale, afin d'exprimer des émotions et de partager des récits ou des évènements marquants.

• Latino : Salsa cubaine et portoricaine, Bachata, kizomba, merengue, zouk (caribéen), mambo, reggaeton, compas
• Argentin : tango milongero, tango nuevo
• Brésilien : lambazouk, lambada, samba de safieira, forró

• K-pop
• J-pop
• C-pop
• V-pop
• T-pop
• Q-pop

Même si toutes les danses peuvent être données en spectacle, on peut caractériser les danses par leur nature première : spectacle, société ou/et compétition.

• Danse de spectacle
  • Classique
  • Modern jazz
  • Contemporain
  • Cabaret (French cancan, Burlesque, Pole dance, Lap dance et le cabaret en tant que forme libre de danse de spectacle, en solo, en couple ou en compagnie)
  • Electro : tecktonik, jumpstyle, old school
  • Street dance (voir aussi hip-hop)
  • Danse orientale
  • Dancehall (Jamaïque)

• Danses de société
  • Danses traditionnelles (ou folkloriques)
    • Danse en quadrille : quadrille français, quadrille des lanciers, quadrille américain, quadrille des Variétés parisiennes, quadrille des abeilles...
    • Danses historiques : polka, scottish, mazurka, etc.
  • Standards/Latines et leurs versions américanisées American Smooth et American Rhythm.
  • Danses sociales
    • Danses solo (du swing, tels que charleston, claquettes (Tap/Hollywood style) et jazz roots, et aussi Twist et Jerk)
    • Danses en ligne (Madison, Country, Line Dance, Claquettes irlandaises, Kuduro, Danse africaine)
    • Danses de couples
      • Danses de bal / musettes : java, valse musette, paso doble musette
      • Rock swing : Lindy Hop, Balboa, Boogie, Rock, West Coast Swing, Blues (en), Boogie woogie

• Danses de compétition
  • Danses sportives
    • Standards : valse anglaise ou valse lente, tango, valse viennoise, slow fox et quickstep
    • Latines : samba, cha-cha-cha, rumba, paso doble et jive
  • Danses acrobatiques (rock sauté, rock acrobatique)
  • Hip-hop : breakdance, popping, locking, house, hip-hop, etc.

• Autres formes de danse
  • Danses du monde
    • Danses classiques de l'Inde
    • Danse indonésienne
  • Danse rituelle
  • Danse martiale
  • Danse féminine
  • Danse sensuelle

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• Danses sportives
• Natation synchronisée
• Patinage artistique
• Danse sur glace
• Gymnastique rythmique

La technique de la danse repose classiquement sur l'articulation entre le mouvement et la musique.

On distingue classiquement entre le travail d'exécution de la danse (le danseur), le travail d'interprétation (danseur interprète) et le travail de création de l'œuvre (le chorégraphe).

Types de danse et émotions :

• il existe plusieurs types de danse et plusieurs types d'émotions mais ce qu'il faut savoir c'est que les émotions se transmettent le plus souvent grâce aux danseurs qui jouent leurs rôles. Les danseurs communiquent avec les spectateurs grâce à leurs mouvements et à leurs expressions du visage. Mais évidemment, tout doit être en harmonie avec la musique. Si la musique est triste alors les expressions du visage doivent l'être aussi et au contraire, si les émotions transmises par la musique sont heureuses alors les expressions du visage doivent être joyeuses ;
• afin qu'un danseur réussisse à transmettre des émotions, il doit connaître son corps et les traits de son visage car dès que le spectateur le regarde, il doit directement voir de quoi parle le danseur ;
• il y a plusieurs types d’émotions : la joie, la satisfaction, la peur, la tristesse, la colère, la frustration, le dégoût… et toutes ont un sens dans le thème de la danse car toutes sont importantes afin de pouvoir apprécier le spectacle ;
• la capacité à reconnaître les émotions à partir des mouvements du corps est présente dès l'enfance^[2]. Pourtant, bien que l'on sache que les personnes peuvent correctement identifier les émotions à partir des mouvements du corps lors d'une danse, les indices objectifs sur lequel la perception se fonde sont encore flous.

La technique du danseur repose sur la combinaison de quatre éléments : l'occupation de l'espace, le rythme, le temps, et le mouvement du corps. Le mouvement du corps comporte notamment les éléments d'énergie, d'équilibre afin de parvenir à donner une forme au corps.

Dans beaucoup de traditions (y compris la danse classique occidentale), la technique de la danse consiste dans l'apprentissage et la répétition de mouvements répertoriés afin d'en acquérir maîtrise et perfection.

La danse contemporaine a introduit la notion d'improvisation, qui fait cependant elle-même appel à des techniques d’improvisation.

La création (mise en place) d'un spectacle dansé dans son ensemble est la chorégraphie qui fait appel à des techniques de mise en scène et de composition.

• Rudolf Noureev (aussi chorégraphe)
• Anna Pavlova

• Maurice Béjart
• Marius Petipa
• George Balanchine

• Vernon et Irene Castle

• Ballet de l'Opéra de Paris
• Bolchoï
• Mariinsky (Kirov)
• Ballets russes de Serge de Diaghilev
• New York City Ballet
• Royal Ballet

La danse compétitive se définit comme la pratique de la danse dans un contexte de compétition. Elle peut être débutée dès l'âge de 3 ans, sans âge maximum. Les compétitions de danse ont une durée approximative d'une à quatre journées s'étalant normalement du mercredi au dimanche.

Durant ces compétitions, les danseurs sont regroupés en catégories en fonction de leur âge et de leur style de danse. Il est important de souligner que ces catégories peuvent varier en fonction de la compétition.

Catégories d'âges :

Styles de danse :

Les performances peuvent se dérouler en solo, en duo, en trio, en petit groupe (4-9 personnes), en grand groupe (10-15 personnes), en ligne (16-24 personnes), ou en ligne étendue (plus de 25 personnes).

À la suite de la performance, le groupe reçoit une note de 78 à 100, avec des distinctions telles que Argent élevé (78-79.99), Or (80-83.99), Or élevé (84-87.99), Platine (88-90.99), Diamant (91-92.99), et Double Diamant (93 et plus). Pour honorer leur réussite, les danseurs du groupe reçoivent, soit un ruban, un macaron ou une médaille.

Lors de chaque cérémonie de remise des prix, les juges présentent des rubans personnalisés (en anglais : special awards) qui reconnaissent les qualités uniques des danseurs et de la chorégraphie. Ils remettent également des prix aux 1er, 2e et 3e meilleurs scores de la session. Toutes les performances y sont éligibles.

À la fin de la compétition, les soloistes s'étant démarqués lors de la compétition peuvent être récipiendaires de bourses.

• Danse avec les stars

La danse est un thème récurrent dans les autres disciplines artistiques. Au XVIII^e siècle, les représentations de la danse sont importantes dans la culture de la société. Les artistes cherchent à illustrer le mouvement, l’élégance et exprimer la grâce. Les sujets représentent donc l’allégorie de l’amour et de la séduction.

Les représentations du XIX^e siècle restent dans la continuité du siècle précédent. L’ajout des artistes réside dans l’approche romantique que ceux-ci utilisent à travers leurs peintures. Ils y représentent l'expression de la beauté des mouvements. Le plus représentatif de ce siècle, en peinture, est Edgar Degas. Il a réalisé un bon nombre de toiles dans une série intitulée Danseuses où il représente le travail des danseuses.

C’est avec le XX^e siècle que la peinture autour de la danse présente un moment de rupture. En corrélation avec les changements culturels de l’époque. La danse est représentée de manière abstraite, ce qui montre une scission entre le réalisme des siècles précédents et le XX^e siècle.

La même continuité est perceptible dans la sculpture entre le XVIII^e et le XIX^e siècle. Dans l’art sculptural du XVIII^e siècle, le point d’honneur porte sur la mise en valeur des mouvements grâcieux à travers des matériaux favoris qui sont le marbre et le bronze. Au XIX^e siècle, la recherche de réalisme que l’on observe dans la peinture se reflète également dans la sculpture. Les artistes délaissent la danse classique pour s’intéresser à la danse moderne et tentent de représenter les émotions et un certain dynamisme insufflé au mouvement. Tout comme la peinture, le XX^e siècle constitue un moment de rupture : l’intérêt est porté sur la représentation abstraite des figures à travers de nouveaux matériaux.

• Mime et danse, sœurs ennemies ?, revue Théâtre public, Gennevilliers, n^o 118-119, dossier collectif sous la direction de Peter Bu
• Louis de Cahusac, La Danse ancienne et moderne, La Haye, Jean Neaulme, 1754. Réimpression Paris, Centre national de la danse, 2004 (ISBN 978-2-84321-064-8).
• Jean-Georges Noverre, Lettres sur la danse et sur les ballets, Lyon, Aimé Delaroche, 1760. Nombreuses rééditions.
• Carlo Blasis, Manuel complet de la danse, Paris, Roret, 1830. Réimpression Paris, Léonce Laget, 1980 (ISBN 978-2-85204-082-3).
• Cellarius, La Danse des salons, Paris, l'auteur, 1849. Réédition Grenoble, Jérôme Millon, 1993 (ISBN 2-905614-96-X) (BNF 35682507).
• Gustave Desrat, Dictionnaire de la danse historique, théorique, pratique et bibliographique, Paris, May et Motteroz, 1895. Réimpression Genève, Slatkine, 1980.
• Gaston Vuillier, La danse, Paris, Hachette, 1898.
• Raoul Charbonnel, La danse. Comment on dansait, comment on danse, Paris, Garnier, 1900.
• Curt Sachs, Histoire de la danse, Paris, Gallimard, 1938.
• Léandre Vaillat, Histoire de la danse, Paris, Plon, 1942.
• Serge Lifar, Traité de danse académique. Paris, Bordas, 1952.
• Georges Arout, La Danse contemporaine, Paris, F. Nathan, 1955.
• Jean-Michel Guilcher, La contredanse et les renouvellements de la danse française, Paris, Mouton, 1969. Réédition Paris, Centre national de la danse, 2003 (ISBN 2-8702-7986-8).
• Jacques Baril, La danse moderne, d'Isadora Duncan à Twyla Tharp, Paris, Vigot, 1977 (ISBN 2-7114-0716-0).
• Paul Bourcier, Histoire de la danse en Occident, Paris, Seuil, 1978 (ISBN 2-0200-4911-2).
• Pierre Legendre, La passion d'être un autre : étude pour la danse, Paris, Seuil, 1978 (ISBN 2-0200-4897-3).
• John Franklin Koenig, La danse contemporaine, Paris, Fayard, 1980 (ISBN 2-2130-0699-7).
• Simonne Voyer, La Danse traditionnelle dans l'Est du Canada: Quadrilles et cotillons, coll. Ethnologie de l'Amérique française. Québec, QC.: Presses de l'Université Laval, 1986. 509 p. N.B.: Ill. et avec des notations musicales et chorégraphiques. (ISBN 2-7637-7001-0).
• Dominique Jamet et Jean-Michel Guy, Les publics de la danse, Ministère de la Culture, Paris, La Documentation française, 1991.
• Marie-Françoise Christout, Le ballet occidental. Naissance et métamorphoses. XVI^e et XX^e siècles, Paris, Desjonquères, 1995 (ISBN 2-9042-2787-3).
• Théophile Gautier, Écrits sur la danse, Arles, Actes Sud, 1995 (ISBN 2-7427-0232-6).
• Marcelle Michel, Isabelle Ginot, La danse au XX^e siècle, Paris, Larousse, 1995 (ISBN 2-0401-9984-5).
• Philippe Le Moal (dir.), Dictionnaire de la danse, Paris, Larousse, 1999 (ISBN 2-0351-1318-0).
• Laurence Louppe, Poétique de la danse contemporaine, Bruxelles, Contredanse, 1997 (ISBN 2-9301-4602-8).
• Dominique Frétard, La danse contemporaine : danse et non danse, Paris, Cercle d'art, 2004 (ISBN 2-7022-0747-2).

• Danser (revue mensuelle française)
• Danser, Perspective n^o 2, 2020, Paris, INHA (ISBN 978-2-917902-90-5) (lire en ligne)
• La danse dans la peinture, Archives Internationales de la Danse n°5, 1933, Paris, CND
• William Weiss, « Mime et danse : diachronie et ontogénèse », Études françaises, vol. 15, n^os 1-2,‎ avril 1979, p. 35-56 (lire en ligne)
• Gabriella Asaro, Degas sculpteur et le réalisme audacieux de la Petite danseuse de 14 ans, L'Histoire par l'image, 2009, (lire en ligne)
• Barthélémy Jobert, La petite danseuse de quatorze ans (E. Degas), Universalis
• Louis Gevart, Rodin, corps à corps avec la danse, Beaux Arts Magazine n°464, Paris, (en ligne)
• Olimpia Gaia Martinelli, La danse dans l'histoire de l'art, Art Majeur, 2021, (en ligne)

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